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BALLET Y DANZA CLÁSICA

Bailarines ballet

El Ballet y la Danza Clásica transitan por su historia de la mano. La evolución de ambas disciplinas se entrelazan y alimentan a lo largo del camino recíprocamente ya que el lenguaje artístico utilizado en las representaciones escénicas del denominado ballet clásico es la danza clásica.

Solemos llamar al tipo y estilo de lenguaje de movimiento utilizado en el ballet clásico con nombres diferentes como Ballet, Danza clásica o Danza académica. Lo cierto es que no son estrictamente lo mismo.

DANZA CLÁSICA

– qué es?

La Danza Clásica o Danza Académica es una técnica de movimiento basada en formas (corporales) estético-clasisistas con principios de Pliometria aplicados en el mecanismo de ejecución de los pasos. Como toda disciplina clásica posee un método estudiado y perfeccionado a lo largo de generaciones. El desarrollo de una conducta disciplinada y el asesoramiento metódico de un docente preparado para acompañar a largo plazo este sistema de transmisión son los pilares para formar a un bailarín clásico.

La Bio-mecánica de este lenguaje exige la proyección de las extremidades inferiores (pies) y superiores (brazos). Alcanzar la hiper extension de los empeines y dedos en los pies y una alineación perfecta entre manos y antebrazo es la meta. Asimismo el cuello se mantiene en extensión constante y el tono muscular en todo el cuerpo se percibe tónico.

Desarrollar la potencia en la musculatura de las piernas y en el tronco superior permite alcanzar saltos de gran altura y elasticidad y una gran cantidad de Pirouettes ( giros). La prioridad en este tipo de danza es la elegancia. Un bailarín clásico jamas puede denotar esfuerzo físico.

Don Quixote Marianela Nuñez – Carlos Acosta The Royal Ballet

En el ambiente clásico se exige a los bailarines poseer ciertas características corporales llamadas¨condiciones¨(Tendones flexibles, gran elongación muscular y empeines pronunciados) y una estética corporal acorde al estilo. Cuerpos longilineos con extremidades largas y dotados de belleza facial. Estas características favorecen la homogeneidad visual en las grandes agrupaciones de bailarines en escena ( Cuerpo de Baile) y le permiten tanto el director del ballet como al coreógrafo componer y reponer un ballet clásico con la estética requerida.

Las mujeres desarrollan su técnica sobre zapatillas de punta (Punta de ballet ) y los hombres con zapatillas de media punta. La diferencia de altura que consiguen las bailarinas al subir a la punta en relación a los bailarines marca una notable diferencia en el trabajo diario y la consecuente aplicación de la técnica. Hombres y mujeres bailan los mismos pasos pero los estudian y aplican en su anatomía de manera distinta. Las mujeres llevan primero los zapatos de ballet para calentar en la barra, y después cambian a zapatillas de punta para los ejercicios de centro. Muchas escuelas de ballet exigen por lo menos cinco años de entrenamiento antes de permitir que sus bailarinas practiquen en punta.

Términos como Tendú , Arabesque, Assemblé , Attitude , Battement, Dégagé ,Fondú, Brisé, cou-de Pie, Cloche, Cabriole, Changement de pieds y muchos otros forman parte del vocabulario ( y diccionario) diario de cualquier estudiante y profesional de la danza clásica. La interacción con los maestros y coreógrafos requiere de la utilización constante de la terminología adecuada. En pocas palabras se aprenden palabras en el idioma frances que se utilizan para nombrar los pasos en todas partes del mundo.

Bailarina Ballet El Lago de los Cisnes.
Bailarina Ballet

BALLET

El ballet clásico es una representación escénica que tiene como principal atracción a la danza clásica presentada de manera coreográfica. En general va acompañado de un argumento ( dramaturgia) y una puesta en escena que incluye el tratado de luces, maquillaje y vestuario ( Zapatillas media punta , Zapatillas de punta, Maillot, Malla, Tutu etc) característico.

Historia

El ballet (en italiano balletto, del diminutivo ballo (baile)  clásico es el más formal dentro de los estilos de ballet y adhiere a la técnica tradicional de ballet. Hay variaciones según el lugar de origen como el ballet ruso, el ballet francés, el ballet cubano o el ballet italiano. Entre sus características distintivas están el uso de las puntas, sus gráciles, sus fluidos y precisos movimientos, y sus cualidades etéreas.

Se originó en la corte del Renacimiento italiano y fue llevado a Francia por Catherine de Medici en el siglo XVI.​ Las cortes de ballet eran presentados por amateurs aristócratas en lugar de bailarines profesionales.

BAILARINA VINTAGE
Ballerina antigua

En el siglo XVII, la popularidad del ballet comenzó a crecer, se comenzó a convertir en arte profesional. Dejó de presentarse por amateurs, las presentaciones de ballet comenzaron a incorporar movimientos acrobáticos que solo se podían interpretar por personas con muchas habilidades específicas. Debido a esto, se creó la primera escuela de ballet la Académie Royale de Danse, fue establecida por el rey Louis XIV en 1661. Caracterizada por una extremada precisión en la ejecución y la elegancia refinada del movimiento. El propósito de la academia era mejorar la calidad del entrenamiento de este baile en Francia, e inventar una técnica que pudiera ser usada para transformar el ballet en una disciplina formal. Un tiempo después de que la academia se formó, en 1672, el rey Louis XIV estableció una compañía para presentarse llamada la Academie Royal de Musique de Dance (hoy conocida como la ópera de Paris), y se nombró a Pierre Beauchamp la cabeza.

En 1700 R. A. Feuillet publicó Choréographie ou Art de noter la danse donde por primera vez se reproduce la totalidad de los pasos codificados y se funda el primer sistema de notación de las figuras. En 1725 P. Rameau con su Traité Maître a danser perfeccionó toda la técnica hasta entonces planteada.

Fueron de vital importancia de cara al nacimiento del Ballet Romántico las reformas actuadas por G. Magri con su Trattato teorico-practico di Ballo en 1779 proporcionando un repertorio intacto de figuras y por J. G. Noverre con su tratado Lettre sur le ballets et les arts d’imitation donde da vida al Ballet d’action el ballet pantomima.

Toda esta reforma fue experimentada y puesta en práctica por F. W. Hilferding en 1735 al regresar a su ciudad natal Viena fue nombrado Maestro de Ballet y en 1740 emprendió la tarea de introducir el Realismo en el propio Ballet.

Escuela Danesa, heredera de la tradición italiana, conlleva a desarrollar un estilo particular donde la virtuosidad de los bailarines es remarcada por el trabajo de la rapidez de los pies. Las batteries, el acento, el porte, sobre el trabajo de piernas, la vivacidad en los pasos de enlazamiento y en el salto. El estilo Bournonville se caracteriza por la continuidad de los Enchaînements, la ligereza y la precisión rítmica.

En 1820 se funda la Escuela italiana de danza por Enrico Cecchetti,(1850-1928)]. Tiene una gran tradición de pantomima, una implantación del estilo francé aportada por C. Blasis. Sus características principales son la continuidad del flujo de movimiento en los desplazamientos y el centro de gravedad.

En Rusia Agrippina Vaganova (1879-1951) desarrolló el Método Vaganova. . A. Vaganova creará un sistema pedagógico que contribuirá a la formación de la escuela Rusa. Este método aleja la graciosa gestualidad francesa dejando paso a la gravitación del método Cecchetti, acentuando el peso, el aplomo al suelo, la fuerza del impulso y desarrollando una elasticidad muscular extrema.

La Escuela Americana tiene influencia italiana aportada por Tudor y rusa, aportada por Balanchine y otros coreógrafos y bailarines de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev. Esta escuela se nutre de la emigración de maestros después de la Revolución Rusa de 1917.

Ballet de acción

El ballet de acción o ballet-pantomima es un espectáculo coreográfico narrativo, cuyo argumento se desarrolla con ayuda de la danza y de la pantomima. Empezó a representarse en el siglo XVIII al socaire de la ópera-ballet y de la comedia-ballet que el trío Lully— Molière —y Pierre Beauchamp habían puesto en escena por toda Europa durante el reinado de Luis XIV.

Después de haber triunfado en los teatros de la Feria y en la Opéra-comique de París el ballet-pantomima se extendió por toda Europa hacia la mitad de siglo: Londres, Viena, San Petersburgo y diversas ciudades italianas en las que, los ballets-pantomima son dirigidos por los maestros: Gasparo Angiolini y Jean-Georges Noverre. Éste último, verdadero teórico de la danza, le dio el nombre de ballet de acción, mucho más adecuado que el de ballet-pantomima. En sus escritos Lettres sur la danse (edición de 1807) afirma: “Me atrevo a decir, sin falso pudor, que yo resucité el arte de la pantomima; que estaba enterrado bajo las ruinas de la antigüedad”. Sus discípulos enseñaron esta nueva forma de ballet más próximo a las preocupaciones cotidianas. Maximilien y Pierre Gardel impusieron este género que perduró hasta el siglo XX, en especial a través del ballet romántico.

Ballerina Ballet

Los tres géneros

En 1760 Noverre definió tres géneros de danza (y de bailarines): la danza noble o danza seria y heroica que conlleva, en sí misma, el carácter de la tragedia. La mixta o semi-seria a la que se denomina comúnmente demi-caractére, que es la comedia noble o alta comedia y la danza grotesca (o danza cómica) conocida, erróneamente como pantomima lo que, en realidad, no es dado que no tiene diálogo, aunque se basa en el género cómico, alegre y placentero.

En 1817 ante la confusión que reinaba en la Ópera de París entre los tres géneros, el conde de Pradel fijó un conjunto de medidas para que el ballet tuviera más rigor. Al año siguiente, los maestros de ballet Pierre Gardel y Louis Milon escribieron lo siguiente:

La danza noble exige una altura elevada, bien proporcionada y, sobre todo, una fisonomía noble. Su género abarca todos los movimientos musicales conocidos con los nombres siguientes: zarabanda, pasacalle, el adagio a 3 y 4 tiempos, la loure (danza bailada al son de la gaita), el minuet, la chacona a 2 y 3 tiempos, el aire marcial a 2 tiempos, como las marchas, la giga, la gavota cercana al movimientos de la chacona a 2 tiempos y, en general, todos los grandes caracteres, como los faunos, tártaros, poloneses, furias, etc.

La danza demi-caractère exige una altura mediana, una figura esbelta y graciosa, y una fisonomía agradable. Su representación contiene los movimientos musicales siguientes: el romance, la siciliana la musette galante, el minuet gracioso, el andante, la pastoral, la giga la gavota y todos los caracteres de céfiros, sílfides, trovadores, pastores, griegos, romanos, etc.

La danza cómica exige una talla no muy alta y más fuerte que fina, una fisonomía jovial, sonriente y expresiva, los movimientos musicales basados en: la musette campestre y pastoril, el minuet cómico y grotesco, 4 tiempos, 3/8-6/8 y 12/8 tiempos, el tambourin, contradanzas francesas, allemandes y, en general, todos los caracteres cómicos del género.

También es recomendable leer el libros sobre su historia para saber un poco más del ballet. Fuente de la sección ¨Ballet¨ es.wikipedia.org.

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Ballet y danza clásica
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Ballet y danza clásica
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El Ballet y la Danza Clásica transitan por su historia de la mano. La evolución de ambas disciplinas se entrelazan y alimentan a lo largo del camino recíprocamente ya que el lenguaje artístico utilizado en las representaciones escénicas del denominado ballet clásico es la danza clásica.
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